Si te gustó mi anterior post titulado 5 aplicaciones espectaculares para dibujar con el iPad, este te encantará. El iPad es el dispositivo ideal para muchas cosas y el dibujo es una de ellas. A continuación te recomiendo cinco aplicaciones que he podido probar y con las que te aseguro que si no aprendes a ser un Picasso, al menos disfrutarás tanto como si tuvieses lienzos y pinceles entre tus manos.

1. Learn to Draw Digital Sketchbook (gratis). Se trata de un excelente sistema de aprendizaje por pasos con el que puedes practicar el lápiz y el rotulador; eso sí, limitado a ciertos motivos como personas o animales. Hay paquetes de lecciones nuevas para descargar por 5,49€.

2. ArtStudio (2,99 €). Un intuitivo y sencillo programa para dibujar que incluye 17 lecciones de aprendizaje, divididas en cuatro secciones: 3D, Animales, rostros y personas. Es muy básico pero puedes exportar tus dibujos a PSD de varias capas, entre otras opciones.

3. My Sketch (1,59 €). No es un programa específico para enseñar a dibujar pero transforma cualquier fotografía en un espectacular dibujo a lápiz con solo un toque del dedo. Seguramente aprenderás algo si utilizas las imágenes resultantes como base al importarlas en cualquiera de las aplicaciones de dibujo que existen.

4. LiveSketch HD (1,59 €). Carece de muchas opciones pero dibujar con esta aplicación es muy parecido a hacerlo con lienzo y pinturas físicas, en cuanto a los efectos que se producen al interactuar líneas entre sí y también con la velocidad del trazo (más intenso si se dibuja despacio y más suave si se hace deprisa).

5. Auryn Ink (2,99€). Para practicar con materiales acuosos, esta aplicación consigue resultados sorprendentes. Simula perfectamente el comportamiento de ellos con el papel mojado o seco. Y la interfaz es intuitiva y sencilla.

6. Paint It! Show (gratis). Otra aplicación que convierte una fotografia en un dibujo y en el que, en modo animación, se puede observar como se van aplicando los trazos, lo que sirve sin duda para aprender.

7. OmniSketch (1,59 €). Un programa con el que tendrás una variada gama de pinceles, grosores, opacidad y trazado.

Lo bueno de las aplicaciones para dibujar en el iPad e iPhone es que lo haces como si estuvieses ante un lienzo de verdad y que utilizas los dedos (o tu stylus favorito) como si fuesen pinceles mágicos, con todo tipo de texturas, tamaños y colores. En algunos casos, el efecto es tan real que sientes la necesidad de limpiarte los dedos de tinta.

Con las que te recomiendo hoy, podrás realizar dibujos espectaculares sin más limitación que tu imaginación.

• Procreate (3,99 €). Con una interface sencilla y muy fácil de usar, esta aplicación te permite sentirte como un verdadero artista. Puedes importar fotos de tu galería para modificarlas y hasta crear tus propios pinceles personalizados.
• Eazel (2,39 €). Lo más impactante es su interface, con cinco opciones, una por cada dedo de la mano y que aparece en la pantalla deslizándolos a la vez de arriba a abajo. Puedes enviar tus trabajos a Photoshop o guardarlos en la galería.
• ArtRage (3,99 €). Una aplicación con una interface más tradicional pero con infinidad de opciones. Los resultados son impresionantes.
• SkethBook Pro (3,99 €). Otra aplicación con interface tradicional muy completa que ya conocíamos por su clásica versión de escritorio y que ahora puedes disfrutar en tu iPad.
• Toon Paint (1,59 €). Con esta aplicación podrás convertir tus fotos en dibujos y pintar sobre ellos con un resultado sorprendente. Es una aplicación para iPhone pero totalmente compatible con iPad.

Entradas anteriores con aplicaciones para iPad e iPhone:

• 10 aplicaciones sorprendentes de fotografía para iPhone e iPad
• 10 aplicaciones imprescindibles para tu iPad
• 5 deliciosas aplicaciones de fotografía para iPhone 4
• 10 aplicaciones para iPad que estoy probando (2ª parte)
• Las 10 aplicaciones que estoy probando ahora en mi iPad

Llámenlo arte, experimento radical o simplemente estupidez pero el caso es que esta performance obtuvo el galardón Golden Nica en el Prix Ars Electronica 2011. Lo ví en Boing Boing y no me digan que, al menos, es curioso.

Esta sorprendente performance aúna arte y biología en directo. Los autores pretenden unir el cuerpo humano y el de un animal, en este caso un caballo, inyectando sangre de éste en el cuerpo de Marion Laval-Jeantet (quien junto a Benoît Mangin forman el grupo Art Orienté objet).

Pero, según dicen en la presentación del espectáculo, no se trata de una intrusión fatal, como la del héroe mitológico Midas que se suicidó bebiendo sangre de toro. La idea es llevar a cabo una investigación terapéutica real, con la sangre de caballo haciendo de plasma protector. Es necesaria la preparación de diez días antes de la actuación de Marion para acostumbrarse. Lo que se intenta hacer es responde a la pregunta ¿El animal puede ser el futuro del ser humano?

A continuación, un vídeo donde pueden observar un resumen de la performance.

Pinche aquí para ver el vídeo

Fuente: Que le cheval vive en moi (May the horse live in me)

El domingo pasado se publicaba en El Pais Semanal un reportaje sobre Ai Weiwei [cuenta de Twitter], artista de vanguardida chino que fue detenido el 3 de abril acusado de delitos económicos por el gobierno de su país [Ai Weiwei rompe los moldes].

Weiwei ha mantenido un blog y el reportaje de El País incluía la entrevista realizada en 2009 para Ivorypress en la que el artista chino hablaba, entre otras cuestiones, acerca de cómo se introdujo en el mundo de los blogs y lo útil que era para él la herramienta.

El blog es el dibujo actual. Todo lo que digo ahí puede considerarse parte de mi trabajo. Es lo que más información proporciona, muestra todo mi entorno.

No he encontrado la página de El País Semanal con la entrevista, así que pueden leerla en Calaméo.

Más información: A digital rallying cry

El vídeo con el que se abre este post es de TED y en él se puede observar parte de su sorprendente obra.

Foto de Chiara Cabrera

Hasta el 16 de enero de 2011 puedes visitar esta exposición en La Casa Encendida. Pero, seguramente, para ese día poco quede de la mayoría de las obras tal y como se mostraron el día de la inauguración. O mejor dicho, no serán las mismas. Porque el arte efímero es lo que tiene o, como aseguran Olivier Varenne y Flora Fairbairn, los comisarios de On&On, “la vida continúa tanto si formas parte de ella como si no“.

Los 14 artistas han montado sus obras conceptuales alrededor de la idea de lo efímero. Pero también es una exposición para experimentar sensaciones con sentidos como el olor, la vista y el oído. El conjunto de las obras es una fantástica metáfora sobre la vida. Y la muerte, una no puede existir sin la otra, según explica Michel Blazy, autor de una de las salas más impactantes: una cripta donde un esqueleto humano hecho con harina y huevo es devorado por microrganismos hasta que desaparezca.

On&On, una y otra vez, tiene su explicación en dos montajes minimalistas: el vídeo de la explosión de un cohete casero filmado por Roman Signer y la habitación vacia que se ilumina cada 5 segundos de Martin Creed. Quizás sean las obras, aparentemente más simplistas pero son el paradigma de arte efímero.

Pero hay montajes más profundos como el piano enredado de In silence, de Chiharu Shiota, verdaderamente impactante y que tiene que ver con los recuerdos, como si se hubiese congelado y materializado el sonido en el aire, representado por cuerdas de lana negra. Y Down time, de Claire Morgan, una sorprendente escultura formada por fresas, un pájaro muerto y moscas, todo ello suspendido del techo mediante finos hilos.

El azar también está presente en On&On. Gregorio Zanon ofrece un concierto de lo que él llama “escultura musical” con un piano que permite la interacción con el público. Es el público el que determina el transcurso de la partitura. Céleste Boursier Mougenot es también un músico que para componer se ayuda de una colonia de pájaros, posándose en guitarras eléctricas perfectamente afinadas.

Eso es solo parte de lo que puedes ver, oir y sentir. El resto no te lo desvelamos para que puedas disfrutar la exposición como es debido.

Hay visitas guiadas y puedes descargarte una pequeña audio-guía en la página de la exposición.

Otros artistas de la exposición On&On:

• Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger
• Kirty Kraus
• Andy Goldworthy
• Anya Gallacio
• Eloise Fornielle
• Tino Sehgal

Con motivo de la publicación de The Witmark Demos, el último número de la revista Mojo dedica un especial a la primera etapa de Dylan; la del Greenwich Village y el folk. Con un memorable CD de regalo, Dylan’s Scene, en el que puedes escuchar, por ejemplo, las voces y la música maravillosa de Joan Baez, Pete Seeger, John Lee Hooker (con ese himno prodigioso llamado ‘Boom Boom’) e incluso a Allen Ginsberg.


Como todos los discos de la serie Bootleg, este es solo para fans acérrimos. The Witmark Demos contiene 47 canciones de las clasificadas como piratas y correspondientes al periodo entre 1962 y 1964 que Dylan grabó para la casa discográfica Witmark Recordings . Ahí están versiones descarnadas de ‘Blowin’ in the wind’, ‘The time they are a changin’, ‘Mr. Tambourine man’ o ‘Master of war’. Y otras muchas que confirman por qué Bob Dylan ya es el más grande músico de todos los tiempos.


Esta caja especial sí que es para coleccionistas irreparables y para esa extraña secta de los amantes del sonido monoaural, ya que contiene los 8 primeros álbumes que Bob Dylan editó entre 1962 y 1967, en grabación mono y que son, a saber: Bob Dylan—1962, The Freewheelin’ Bob Dylan—1963, The Times They Are A-Changin’—1964, Another Side Of Bob Dylan—1964, Bringing It All Back Home—1965, Highway 61 Revisited—1965, Blonde on Blonde—1966 y John Wesley Harding—1967. No se pierdan el vídeo de promoción del box set: Stick with mono.


Que Bob Dylan le daba a los pinceles, desde siempre, es de sobra conocido. En sus viajes a Brasil dibujó los bocetos de lo que ahora se denomina The Brasil Series, compuesta por 40 cuadros y que ahora se expone en el museo nacional de Copenhage (Dinamarca). Brasil causó impacto a Bob Dylan (“creo que es mayor que los Estados Unidos“, dijo en su programa de radio) y su particular forma de ver aquél país ha quedado extraordinariamente plasmada en esta serie de pinturas.

A tenor de su afán por autorretratarse, Rembrandt en la actualidad sería bloguer, sin duda. Se dice que es el protagonista de más de 80 de sus cuadros. Puro alma de bloguer. Ya me imagino su carita en el avatar de Twitter o Facebook.

Uno de sus autorretratos más conocidos es el que aparece como el filósofo Demócrito (ese que, según la leyenda, se arrancó los ojos para que no le molestaran en sus meditaciones). En ese inquietante cuadro, Rembrandt se muestra riéndose amargamente de la ambición y la codicia humana.

La jornada anterior al concierto de Bob Dylan en el Azkena Rock Festival 2010 pude visitar el Museo Guggenheim de Bilbao.

Una de las exposiciones temporales (hasta el 12 de octubre de 2010) es la de Anish Kapoor un artista indio (Bombay, 1954) que juega en amplios escenarios con las formas y los materiales de manera sorprendente. Y a la vista de sus obras, no carece de razón al afirmar que “El material siempre conduce a algo inmaterial”.

Y la escultura y la pintura no siempre consisten en crear formas, también cabe el eliminarlas. Eso parece cuando se ven sus esculturas concavas en las que es imposible percibir la forma cuando se las observa de frente. O la ilusión óptica que produce su montaje ‘Yellow’, un brutal experimento de lo que pueden provocar en el cerebro la mezcla de fondo y color.

[Foto de # MaRY #]

Anish Kappor emplea materiales industriales, como el cemento, el acero patinable, el aluminio, la cera, las resinas o los pigmentos e instalaciones monumentales como esa especie de molino giratorio en la que parece estarse modelando una enorme estructura de cera. Simple ilusión óptica también.

En este vídeo grabado en la Royal Academy of Arts de Londres podemos ver un resumen de esta magnífica exposición que les recomiendo absolutamente: Anish Kapoor at the Royal Academy.

Por otra parte, les invito a ver la galería de fotos del viaje a Bilbao y Vitoria-Gasteiz en mi cuenta de Flickr.

Norma Foster realizó el diseño de la Red de Metro de Bilbao

Un viaje en el que he podido ampliar un poco mis colecciones de fotos de Flechas y Estatuas.

Este dibujo (Los toritos fritos) se lo regaló dedicado Picasso a Eugenio Arias, su peluquero habitual desde que se conocieron en el exilio francés de ambos, en 1948. Fruto de la amistad que les unía, Eugenio Arias donó en 1978 a la entonces Diputación de Madrid los regalos y dibujos que Picasso le dedicó. En 1985 se inauguró, en las dependencias del Ayuntamiento de Buitrago del Lozoya, el museo Picasso, colección Eugenio Arias. Después de la guerra civil, en la que Eugenio Arias luchó en defensa de la República, marcha al exilio incoporándose a la resistencia de la ocupación alemana en Francia. Vuelve a España en 1977 y se dedica a la instalación del museo Picasso, tal y como había pactado con el pintor malagueño, en su pueblo natal, Buitrago.

Dicen que a Picasso no le tocó el pelo nadie más que su amigo Eugenio Arias, desde que coincidieron en Vallauris, temía que su genial inspiración desapareciera cual Sansón.

Este fin de semana pude visitar Buitrago para ver las dos exposiciones sobre Picasso. La anteriormente citada y la conmemorativa El barbero de Picasso (hasta el 23 de junio de 2010), en la Sala de Exposiciones del Edificio Polivalente.

Ambas exposiciones son una verdadera exaltación a la amistad muy recomendables.

Más fotos de Buitrago y las exposiciones en mi cuenta de Fickr.

Del reciente viaje a Barcelona, para asistir a la final de la Copa Davis (posts relacionados: El meu carrer, Copa Davis 2009 y Casa Batlló y la Pedrera: tecnología retro), me quedaban algunas fotos por subir a Flickr.

Varias de ellas han pasado a formar parte de mis colecciones especiales de flechas y estatuas:

Flechas. Me gusta descubrir todo tipo de flechas escondidas en el ambiente urbano.

Estatuas. Esculturas en la calle, en jardines, en edificios. El mundo estático de piedra, bronce o cualquier material.

La Casa Batlló y La Pedrera son brillantes ejemplos de la arquitectura modernista de Antoni Gaudí. De indiscutible belleza, con formas y estructuras imposibles pero buscando la luz y la habitabilidad.

Barcelona vivió una gran transformación entre los años 1905 y 1929 debido a la industrialización. La sociedad se abría al consumismo, lo que se reflejó en el modo de vida, el trabajo y el ocio. Las visitas a los edificios de Gaudí son un interesantísimo viaje al pasado, además de una incursión en la imaginativa arquitectura plena de geometría y volumen. La fabulosa ambientación doméstica permite hacerse una certera idea de cómo era la vida en aquellas casas.

Los objetos que fotografié (desde el botón del ascensor a la máquina de escribir, pasando por botellas de gaseosa, cajetillas de tabaco, grifos o estufas) constituyen una formidable galería de tecnología retro (Flickr).

En diciembre de 2007, anunciábamos en Blogpocket el nacimiento de una nueva revista digital: 200 días en Sing Sing. Un magazine creado por Javier Reguera (uno de los invitados a mi BlogGuest 2, 8 años), quien también mantiene el blog Así se fundó Carnaby Street.

Ahora ya podemos disfrutar de tres números de ‘200 dias en Sing Sing‘. Ambos proyectos, según su autor, surgen para buscar una respuesta a la cuestión “¿Es posible construir un discurso transversal sobre la cultura?”.

200 días en Sing-Sing es una revista abierta a las múltiples vias de reflexión sobre lo contemporáneo, debate donde la alternancia del pasado y el presente concuerdan con el propio acontecer sociocultural de una época divergente. Tiempos para la lírica.

Se trata de la obra de teatro que se presentará en la ciudad británica de Bradford y que tiene como objetivo concienciar al público sobre la epilepsia. Los asistentes ocuparán sus localidades durante 24 horas a la espera de que se produzca el ataque. Y si este ocurre mientras el respetable duerme, se activarán luces y sirenas para que se despierte.

¿Espectáculo?, ¿provocación?. ¿Dónde se encuentran los límites? En Público, varios creadores teatrales discuten sobre esta extrema propuesta: Teatro al borde de la epilepsia.

¿Y tú? ¿Acudirías a una representación de este tipo? ¿Es un crimen, como opinan algunos o, por el contrario, piensas que una obra de arte tiene que pasarse de la raya?

Durante la meteórica semana pre-ebe tuvimos tiempo de visitar el Museo de Arte Reina Sofía. Allí nos encontramos con una muy interesante exposición del constructivismo. El constructivismo surgió como movimiento artístico en Rusia en 1914 y tuvo su apogeo tras la revolución de Octubre de 1917. El término se refiere al arte como herramienta para propósitos sociales e ingeniería y fue utilizado al servicio de la propaganda y publicidad (vean el precioso anuncio de galletas que abre este post) del socialismo soviético.

La exposición del Museo Reina Sofia (Definiendo el Constructivismo) recopila obras de Aleksandr Ródchenko y Lyubov Popova, dos de los artistas más representativos del constructivismo, y estará abierta al público hasta el próximo 11 de enero.

La exposición incluye la recreación del Club Obrero, un espacio diseñado para la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de Paris de 1925 con el que se pretendía facilitar un entorno para el ocio. Los adornos del confort burgués eran sustituidos por el funcionalismo geométrico, como esta mesa para jugar al ajedrez. Se trataba de que el proletariado pudiese disfrutar de su tiempo libre de forma productiva. El Club también incluía algunas de las obras textiles de Popova, fallecida en 1924.

Cuando Lenin instauró su nueva política económica, muchos constructivistas pensaron que se hacían concesiones al capitalismo. Sin embargo, dicha política les permitió participar en el diseño de los libros, carteles y revistas que se publicaron por aquel entonces. Gran parte de la población era analfabeta y los artistas, como Rodchenko y Popova, dedicaron su talento a trabajos publicitarios y educativos. Con la denominada “nueva vida cotidiana” se necesitaba fabricar todo tipo de productos domésticos y los constructivistas trabajaron para las industrias estatales. También se dedicaron al cine. Rodchenko trabajó con destacados directores rusos como Lev Kuleshov.

La mañana cultural finalizó con una visita al siempre impresionante Guernica de Pablo Picasso.

Hasta el 22 de marzo de 2009 se puede disfrutar en Madrid de la exposición de esculturas de Auguste Rodin instaladas, al aire libre, en el Paseo del Prado 36 (CaixaForum). Esta exposición, organizada con la colaboración del Museo Rodin de París, muestra en plena calle toda la belleza de la célebre escultura de bronce El pensador. Se expuso por primera vez en 1888 y representa al poeta Dante en pleno proceso de creación. No fue concebida como escultura aislada sino como parte de una puerta monumental, denominada “La puerta del infierno” y destinada a un museo de artes decorativas.

El resto de la exposición, está formada por las seis figuras de Los burgueses de Calais. Augute Rodin desarrolló este proyecto por encargo para conmemorar la hazaña de seis ciudadanos de Calais que, en la guerra de los Cien Años, se ofrecieron para entregar las llaves de la ciudad, en acto de rendición, al rey de Inglaterra Eduardo III.

Cada figura expresa distintas actitudes ante la desgracia. Pierre de Wissant, por ejemplo, adopta una pose de decisión y valentía; pero Andrieu d’Andres se desespera ante la muerte inminente.

[Galería de fotos en mi cuenta de Flickr]